Gyrus celluloid

And the Oscar goes to? "Wall-E" (2008)!

Als ich am Montagmorgen pflichtbewusst die Liste der diesjährigen Oscarpreisträger studierte, war mir im Grunde bereits vorher relativ egal, ob nun das Märchen um den indischen "Wer wird Millionär"-Sieger oder die Visualierung des deutschen Bestsellers "Der Vorleser" das Rennen um die Auszeichnung für den besten Film gemacht hatte. Denn ohne die anderen Kandidaten alle gesehen zu haben, stand für mich fest, dass ein Film nicht in der Auswahl der Nominierten gelandet war, der es wirklich verdient hätte: Der Pixarstreifen "Wall-E". Aber klar, wo kämen wir hin, wenn plötzlich Trickfilme für den besten Film in Erwägung gezogen würden? Ist doch alles Kinderkram, gell?

Eben nicht. Beziehungsweise nicht nur. Denn Pixar hat schon immer das Kunststück geschafft, Filme für alle Altersstufen zu machen. Mal mit dem Schwerpunkt auf dem jüngeren Publikum (Cars), mal sogar ausgesprochen für die Jahrgänge jenseits der Milchzahngrenze (Ratatouille), aber immer konnten Sechsjährige genauso wie Sechzigjährige den Streifen etwas abgewinnen. Bei Wall-E haben die Pixarleute sich darin nun selbst übertroffen: Für die Kids ein ulkiger Roboter und coole Raumschiffe, für Teenies eine Love Story und für alle Semester eine manchmal geradezu beißende satirische Kritik an unserer Konsum- und Wegwerfgesellschaft.

Denn unsere Erde ist im Film total vermüllt, die Menschen haben sich aus dem reichlich herumfliegenden Staub gemacht und eine Schar von Robotern soll den weltweiten Augiasstall ausmisten. Nur dass diese Aufgabe anscheinend zu immens war: Als der Film beginnt, ist nur noch ein einziger Roboter funktionsfähig, eben Wall-E, der unermüdlich den Müll zu Würfeln presst und diese aufeinandertürmt. In den langen Jahren hat die Blechbüchse auf Rädern sogar so etwas wie Bewusstsein entwickelt und hält sich beispielsweise eine Kakerlake als Haustier.

Eines Tages wird seine Routine unterbrochen: Eine schick aussehende Sonde landet, um herauszufinden, ob die Erde inzwischen wieder bewohnbar ist. Wall-E verknallt sich prompt in "Eve" (es ist eindeutig eine "Sie", wie man schon an der Stimmlage ihres elektronischen Piepsens merkt) und folgt ihr zurück zum riesigen Raumschiff "Axiom", auf dem der Rest der Menschheit seit 700 Jahren auf Kreuzfahrt durchs All ist und dabei ein paar Eigenschaften verloren hat. Etwa die Fähigkeit, sich selbst fortzubewegen oder mit anderen direkt zu interagieren. Alle rollen in Hoversitzen herum, mit einem Holobildschirm vor der Nase als einzigem Kommunikationsmittel, und haben die Erde längst vergessen. Wird Wall-E die Menschheit aufrütteln können und ihre Rückkehr auf die Erde bewirken? Wird "Eve" seine Zuneigung erwidern? Haben Disneyfilme ein Happyend?

Aus wissenschaftlicher Sicht strotzt der Film natürlich von Unwahrscheinlichkeiten und wilden Fantasien. Die verknallte Müllpresse ist da nur der Anfang; laut Thomas Metzingers Überlegungen über die Entstehung von Robotern mit Bewusstsein mag so etwas ja tatsächlich eines Tages möglich sein. Aber es ist wohl etwas optimistisch zu glauben, dass sich die Menschheit so mir nichts dir nichts aus ihrem angenehmen Dahindämmern herausreißen ließe; im Zweifel siegt doch immer die Bequemlichkeit.

Die im Film geäußerte Zivilisationskritik entwertet dies jedoch überhaupt nicht. Wenn man mal um sich blickt, sieht man doch tatsächlich oft nur noch völlig von der Umwelt abgeschottete Menschen mit Ipod, Handy, Nintendo oder Laptop. Solche technischen Geräte haben ja bekanntlich eine ungeheure Verführungskraft, der nur zu oft der direkte zwischenmenschliche Kontakt zum Opfer fällt – oder auch überhaupt die bewusste Wahrnehmung der Umgebung. Ich jedenfalls habe beschlossen, beim täglichen Radfahren über die Felder zur Arbeit öfter mal den MP3-Spieler ausgeschaltet zu lassen.

P.S. Immerhin hat Wall-E den Oscar als bester Trickfilm gewonnen.

Gute Filme, schlechte Filme: Eine Odyssee auf der Suche nach dem ultimative Kriterium

Was ist ein guter Film? Natürlich lässt sich diese Frage hier nicht abschließend beantworten. Das wäre eher Stoff für eine Doktorarbeit, ja sogar eine ganze wissenschaftliche Karriere – vorausgesetzt, man kommt dabei der Beantwortung ein Stück näher.

Aber immerhin kann ja jeder für sich selbst überlegen und entscheiden, was er oder sie für einen guten Film hält beziehungsweise welche Kritierien einem persönlich wichtig sind. Mir stellte sich diese Frage wieder mal, als ich vor ein paar Wochen hier etwas über den vierten Indiana Jones schrieb. Ist das nun ein guter oder ein schlechter Film?

Ein Filmkenner sagt natürlich: Nein, ein guter Film, das ist etwa „Der Pate“, „Casablanca“ oder „Citizen Kane“, nicht so ein Abenteuerblödsinn. Und natürlich hat er damit irgendwo auch Recht – in Punkto Filmkunst sind diese Beispiele immer noch unerreicht. Doch letztlich hängt die Antwort eben auch von den Kriterien ab, die man anlegt.

Nebenbemerkung: Die folgenden Überlegungen gelten übrigens für jeden Abenteuer/Action/Unterhaltungsfilm, der arme Indiana Jones muss mir nur als Beispiel herhalten.

Erwartet man etwa dramatische persönliche Entwicklungen oder tiefe Einblicke in die menschliche Seele, dann ist Indy 4 (wie auch sehr viele andere Hollywood-Blockbuster) ein schlechter Film. Ebenso, falls einem innere Logik ohne Brüche und abgeschlossene Handlungsstränge wichtig sind. Wer viel Wert auf intelligente Dialoge oder hohe Schauspielkunst legt, dürfte auch eher enttäuscht sein.

Doch all das wird von den Filmemachern in diesen Fällen gar nicht angestrebt. Sie wollen einfach gute Unterhaltung bieten. Demnach wäre ein mögliches Kriterium folgendes:

Haben die Filmemacher das erreicht, was sie wollten? Wenn ja, könnte man den Film als „gut“ deklarieren, egal ob die Dialoge flach und die Handlung unlogisch ist.

Das ist natürlich nur ein denkbarer Ansatz. Eine Variation dazu wäre zu schauen, ob ein Film die Anforderungen seines Genres einhält. Ein Drama also gute Schauspielerleistungen, eine Komödie witzige Dialoge und ein Actionfilm aufregende Verfolgungssequenzen beinhaltet. Behalten Sie das im Hinterkopf, ich komme noch mal darauf zurück.

Vorher möchte ich aber noch erwähnen, dass mir – um mal wieder Dr. Jones zu bemühen – auffiel, dass gerade eingefleischte „Indy“-Fans den neusten Teil geradezu verrissen haben, während andere den Film zwar vielleicht als belanglos, aber doch als nette Unterhaltung empfinden. Warum?

Zum einen haben die Fans vermutlich bewusst oder unbewusst Indy 4 mit den Vorgängern verglichen (habe ich ja auch), dabei aber ihre eigene persönliche Entwicklung außer Acht gelassen. Sprich, wenn 1980 der erste Indy-Film einen Fünfzehnjährigen tief beeindruckt hat, ruft Teil 4 28 Jahre später bei dem inzwischen über 40-Jährigen wohl kaum dieselben Empfindungen hervor. Zudem hätte vermutlich selbst Teil 1, wäre er erst 2008 herausgekommen, bei dem kurz vor der Midlife Crisis stehenden kaum den selben Eindruck hinterlassen wie es 1980 bei dem Teenager möglich war – sowohl das Alter des Individuums als auch die Zeitumstände überhaupt sind eben ganz andere.

Ergo: Was als guter Film gilt, hängt auch davon ab, wann er im Kino gelaufen ist, wie alt der Betrachter heute ist und in welchem Alter er den Film zum ersten Mal gesehen hat. Damit wird die ganze Sache allerdings wieder arg subjektiv. Vielleicht gibt es ja auch noch objektivere Kriterien. Das bringt mich zu dem „Zum anderen“, auf das Sie seit zwei Absätzen schon warten:

Zum anderen haben sich die Indiana Jones Filme verändert, und jetzt kommt wieder die Frage nach der Einhaltung der Regeln des Genres ins Spiel. Die ersten beiden Teile waren reinrassige Abenteuerfilme: Eine Actionssequenz folgt der anderen, dazwischen gerade soviel Verschnaufpausen, dass man nicht ermüdet. Die Charaktere sind Nebensache, man erfährt über ihre Vergangenheit nur das absolut notwendigste.

Mit Teil 3 (Der letzte Kreuzzug) änderte sich das. Um es etwas bösartig zu formulieren, kam ein Seifenoperelement dazu: Man lernt über wichtige Ereignisse in Indys Jugend, trifft seinen Vater, erfährt von der gespannten Beziehung der beiden. Natürlich gibt es immer noch die obligatorischen Actionsequenzen, aber sie werden quasi verwässert durch dieses „störende“ menschliche Element. So sehe ich es jedenfalls, andere mögen das als inhaltliche Aufwertung wahrnehmen. Teil 4 führt übrigens die Soap Opera munter weiter (Indys Sohn, die ehemalige Geliebte etc.).

Man könnte jetzt also versuchsweise den Schluss ziehen, dass ein Kriterium für einen guten Film ist, dass er nicht versucht, die Grenzen seines Genres zu überschreiten. Allerdings gibt es dazu Ausnahmen: Gerade einige der besten und originellsten Filme überhaupt halten sich überhaupt nicht daran. Es gehört aber schon ein besonderes Geschick der Filmemacher dazu, die disparaten Elemente so zu jonglieren, dass am Ende eine runde Sache dabei herauskommt, und das klappt wohl auch nicht bei jedem Material.

Es ist also – wie abzusehen – nicht so einfach, dem Rätsel des guten Films auf die Spur zu kommen. Kompliziert wird die Sache noch dadurch, dass es Filme gibt, deren hohe Kunstfertigkeit man neidlos anerkennt, die einen persönlich aber schlicht kalt lassen. Mit geht es so etwa mit „Citizen Kane“ und den meisten Kubrick-Filmen. Außerdem gibt es dann noch Filme, die eigentlich toll sind, aber durch einen Megapatzer getrübt werden, sowie umgekehrt an sich schlechte Filme, die eine wahrhaft brillante Sequenz enthalten.

Man sieht, es führt alles zu nichts. Letztlich fällt man doch immer nur auf jenes letzte, minimalste, rein subjektive, intellektuell unbefriedigende Kriterium zurück, von dem aus man ursprünglich seine Reise zur Erkundung der Maßstäbe für einen guten Film gestartet hat:

Ein guter Film ist ein Film, der mir persönlich gefällt.

In diesem Sinne hier noch meine ganz persönliche Auswahl besonders guter Filme – was auch immer das bedeuten mag:

Lawrence of Arabia
The Shawshank Redemption (Die Verurteilten)
The Princess Bride (Die Braut des Prinzen)
Schindler`s List
Mononoke Hime (Prinzessin Mononoke)

Mayas, Hirntumore und fliegende B�ume: �The Fountain� (2006)

Endlich einmal ein Film, der (unter anderem) von Wissenschaft handelt und dabei keinen absoluten Unsinn verzapft! Wir kennen das ja alle: Hollywood nimmt sich das Thema Forschung ins Visier, und heraus kommt so ziemlich alles zwischen fantastischer Spekulation und schlicht falschen Tatsachen. Hier bleiben die Filmemacher wohltuend auf dem Teppich: Der Wissenschaftler schüttelt keine sofortige Wunderheilung aus dem Ärmel, die Forschung erscheint als jenes langwierige, mühsame, oft frustrierende Geschäft, das sie ja auch ist. Insgesamt vermittelt der Film also ein durchaus realistisches Bild, auch wenn ein Experte sicher Details finden wird, die so nicht ganz stimmen. Vielleicht hat es ja geholfen, dass der Drehbuchautor Ari Handel selbst Neurowissenschaftler ist und zuvor acht Jahre lang an der New York University über das Gehirn von Rhesusaffen geforscht hat.

Um was es geht? Schwierig, das in wenigen Sätzen zu sagen, denn der Film spielt auf drei Ebenen. Der Kernhandlungsstrang betrifft die Suche eines Forschers, Tommy Creo, nach einem neuen Mittel gegen Hirntumore. Er ist dabei nicht nur von seinem beruflichen Ehrgeiz getrieben, sondern von der Tatsache, dass seine geliebte Frau Izzi unter einem solchen leidet und nicht mehr lange zu leben hat. Zwar erzielt er einen entscheidenden Durchbruch, als er einen Extrakt aus einem südamerikanischen Baum testet, doch für Izzi kommt dieser zu spät.

Izzi wiederum hat die letzten Monate ihres Lebens damit verbracht, einen Roman zu schreiben mit dem Titel „The Fountain“. Er spielt im 16. Jahrhundert und dreht sich um eine Expedition eines Spaniers nach Südamerika, wo dieser im Auftrag der spanischen Königin den biblischen Baum des Lebens sucht. Bevor Izzi stirbt, gibt sie Tommy das Buch zu lesen und bittet ihn, das letzte, noch fehlende Kapitel zu schreiben. Die Handlung dieses Buchs ist die zweite Ebene des Films, wobei derselbe Hauptdarsteller, Hugh Jackson, sowohl Tommy als auch den spanischen Entdeckungsfahrer spielt – ebenso wie Izzi und die spanische Königin von Rachel Weisz dargestellt werden.

Schließlich gibt es noch die dritte Ebene, die am rätselhaftesten wirkt: Wiederum ist Hugh Jackson zu sehen, doch ist er jetzt kahlgeschoren und sitzt in einer großen Seifenblase, die durchs Weltall fliegt – zusammen mit einem alten Baum. Einige Rückblenden auf Szenen zwischen Tommy und Izzi ließen mich vermuten, dass hier das Seelenleben von Tommy bildlich dargestellt werden soll, doch als ich danach ein bisschen recherchierte, stellte ich fest, dass diese Sequenzen eigentlich als in der Zukunft spielend gedacht sind. Das kommt aber irgendwie nicht so richtig heraus und stellt für mich den einzigen Schwachpunkt des ansonsten sehr gelungenen Films dar. Wenigstens kann man sich in diesen „Zukunfts“-Sequenzen an eindrucksvollen Bildern erfreuen, die zur Abwechselung mal nicht am Computer, sondern mithilfe von Makroaufnahmen chemischer Farbreaktionen entstanden sind.

Letztlich geht es bei der Geschichte um den Umgang mit dem Lebensende und den mystischen Kreislauf von Tod und Wiedergeburt, der in allen drei Filmebenen durchlaufen wird und für den symbolisch der Baum (des Lebens) steht. Fazit: Ein wunderschöner, ein wenig trauriger Film, der einen bleibenden Eindruck hinterlässt.

Hirnloses Kino vom Feinsten: �Indiana Jones und das K�nigreich des Kristallsch�dels� (2008)

So, jetzt habe ich also auch den neuesten Indiana Jones gesehen. Um es gleich auf den Punkt zu bringen: Nein, so gut wie der erste Film („Jäger des verlorenen Schatzes“, 1981) ist er nicht, aber allemal besser als der ziemlich schwache dritte Teil („Indiana Jones und der letzte Kreuzzug, 1989; siehe dazu auch mein Blogbeitrag „Der Fluch des dritten Teils“). Vor allem war es ein großer, kindischer Spaß. Man darf die Sache nur ja nicht ernst nehmen – aber diese Bedingung galt ja auch für die Vorgängerfilme. Wer den Film übrigens noch nicht gesehen hat, sollte jetzt besser aufhören zu lesen und weiterklicken – jetzt kommen „Spoiler“.

Noch dabei? OK. Natürlich muss ich hier dazu gleich ein paar Zeilen schreiben, fungiert doch, wenn nicht das Gehirn selbst, so zumindest der das Gehirn umhüllende Knochen, der Schädel, als zentraler Aspekt der etwas verworrenen Handlung – ja sogar als Teil des wahrhaft eindrucksvoll klingenden Titels. Sagen Sie den Titel mal laut, dann verstehen Sie, was ich meine.
Zurück zum Schädel. Offenbar hat der starke Kräfte, so etwa die der psychischen Beeinflussung bis hin zur völligen Unterwerfung. Das hoffen zumindest die russischen Agenten, die hier die Nazis als Bösewichte vom Dienst ablösen. Angeblich hat ja Stalin tatsächlich versucht, unter anderem auch mit parapsychologischen Methoden der Weltherrschaft näher zu kommen, so wie vor ihm auch Hitler.

Ein Neurobiologe wird nun sagen: Wie soll das gehen, wenn doch das Gehirn fehlt und nur toter Knochen bzw. Kristall übrig geblieben ist. Aber vielleicht hatten diese rätselhaften Wesen ja gar kein Gehirn in unserem Sinne, sondern „dachten“ mit ihrem Skelett? Schließlich scheinen sie ja immer noch funktionsfähig zu sein – solange nur alle 13 zusammen sind: Kaum ist der letzte Schädel endlich zurückgekehrt, packen die Aliens ihre Koffer und machen sich auf die Heimreise in eine andere Dimension. Eine Schwarmintelligenz also, wie es im Film heißt? Wohl eher nicht, bei einem so kläglichen Schwärmchen von gerade mal einem guten Dutzend Individuen. Zumal das Konzept der „Schwarmintelligenz“ auch so seine Probleme hat, wie meine Kollegin Katja Schwab in ihrem Blog am 20.5. deutlich machte.

Ich tippe da doch eher auf eine physikalische Konstruktion: Die Rückgabe des letzten Schädels schließt einen Schaltkreis, der dann eine Kettenreaktion auslöst. Warum und wozu bleibt zwar auch da offen, aber man muss ja nicht alles verstehen, schon gar nicht im Kino. Und vor allem nicht bei einem Indiana Jones Film. Fazit: Besser nicht weiter drüber nachdenken und statt dessen es den Kristallschädelwesen nachmachen: Das Gehirn außer Betrieb nehmen und 2 Stunden Popcornkino pur genießen.

Wir sind nicht allein: �Unheimliche Begegnung der dritten Art� (1977/1980/1997)

Vor 30 Jahren kündigte der Satz „Wir sind nicht allein!“ auf den Kinoplakaten einen Science-Fiction-Film an, der Steven Spielberg endgültig zum Superstar unter den Regisseuren aufsteigen ließ – und ihn die nächsten zwei Jahrzehnte immer wieder beschäftigte: „Unheimliche Begegnung der dritten Art“.

Von Anfang an stand der Streifen ein wenig im Schatten des einige Monate zuvor gelaufenen „Krieg der Sterne“ („Star Wars“), der schon allein auf Grund seines ungeheuren finanziellen Erfolgs, aber auch wegen der zuvor nie gesehenen Spezialeffekte Kinogeschichte geschrieben hatte. Doch schon bald gewann CE3K, wie der Film von seinen Anhängern genannt wurde (Abkürzung für den Originaltitel „Close Encounters of the Third Kind“), eine begeisterte Fangemeinde. In ihm beschreibt Regisseur und Drehbuchautor Spielberg, wie Ufos die Erde besuchen. Über verschiedene Kommunikationsmethoden wie Tonfolgen und Zahlengruppen kommt schließlich der direkte Kontakt zwischen Menschen und Aliens zu Stande, und schließlich darf ein Auserwählter, der kleinstädtische Normalbürger und Familienvater Roy Neary, in dem Raumschiff mit in die Weiten des Weltalls davonfliegen.

CE3K steht in der Tradition der Alien-Invasions-Filme der 1950er Jahre. Doch während dort die Ängste des Kalten Krieges in Gestalt eroberungswütiger Außerirdischer auf die Leinwand projiziert wurden, fragte sich Spielberg: Würden hochentwickelte, intelligente Lebewesen wirklich Millionen von Lichtjahren zu uns reisen, nur um sich dann wie die Elefanten im Porzellanladen aufzuführen? Wären sie nicht eher an einer freundschaftlichen Kontaktaufnahme interessiert?

Zwar hatte dieser Ansatz durchaus Vorläufer in der Kinogeschichte, etwa den berühmten Film „Der Tag, an dem die Erde stillstand“ von Robert Wise aus dem Jahre 1951, aber diese waren Ausnahmen und kommerziell meist wenig erfolgreich. CE3K hingegen erwies sich als außerordentlicher Kassenerfolg und zementierte Spielbergs Ruf eines Kino-Wunderkinds mit goldenen Händchen.

Wobei der Starregisseur letztere anscheinend nicht so recht von seinem Ufo-Film lassen konnte: Schon drei Jahre später kam die „Special Edition“ ins Kino, eine neue Fassung, für die Spielberg einerseits ein paar neue Szenen drehte, andererseits auch einige Sequenzen herausnahm oder kürzte. So erhielt nun das durch Nearys zunehmende Ufo-Obsession ausgelöste Auseinanderbrechen seiner Familie größeres Gewicht. In einer der neuen Szenen schlägt Nearys Frau gar eine Familientherapie vor. Diese veränderte Sensibilität ist wohl ein Resultat der persönlichen Entwicklung Spielbergs.

Doch auch schon in der Grundstruktur der Geschichte stecken einige autobiografische Elemente: So ist die weibliche Hauptfigur Jillian alleinerziehende Mutter, und Roy Neary verlässt letztlich Frau und Kinder, um mit den Aliens davonzufliegen. Beides dürfte von Spielbergs eigenen Erfahrungen inspiriert worden sein, da sich seine Eltern scheiden ließen, als Steven 14 Jahre alt war.

Heute würde der Regisseur diesen Film so nicht mehr drehen, gab Spielberg in einem Interview von 1997 zu. Als Vater von inzwischen sieben Kindern würde er inzwischen erkennen, wie naiv und voll blindem Optimismus er damals gewesen sei. Eine sympathische Hauptfigur darzustellen, die bedenkenlos die eigene Familie zurücklässt, um seinen Träumen zu folgen, käme für ihn nicht mehr in Frage. Im diesem Jahr stellte Spielberg auch die dritte und letzte Fassung des Films fertig, den „Director´s Cut“.

Wer die drei Fassungen selbst vergleichen will, hat jetzt die Möglichkeit dazu. Neben einer 3-DVD-Box ist CE3K auch auf Blu-ray Disc in HDTV-Qualität erschienen – der erste Spielbergfilm auf einem hochauflösenden Medium, sprich in Quasi-Kinoqualität. Doch gleichgültig welche der drei Versionen man betrachtet: „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ ist keineswegs ein perfekter Film. Selbst wenn man die Existenz von Ufos und Aliens einmal grundsätzlich akzeptiert, kracht es manchmal gehörig im Logik-Gebälk. Warum entführen etwa die Außerirdischen den kleinen Barry in einer furchteinflößenden Sequenz, die dem „Exorzist“ alle Ehre machen würde, und nehmen kaltblütig die Verzweiflung seiner Mutter in Kauf, wo sie doch uns Menschen nichts Böses wollen? Wieso spielen in der Nähe eines Ufos alle elektrischen Geräte verrückt (selbst batteriebetriebene!), aber am Ende funktionieren sämtliche Kameras tadellos? Was hat es mit den drei ganz unterschiedlichen Typen von Aliens auf sich, die nacheinander aus dem Raumschiff kommen? Die Liste ließe sich fortsetzen.

Letztlich ordnen sich diese Details demselben Ziel unter, dem auch die anfangs beschriebene dramatisch gestaltete Eröffnungssequenz dient: Sie sollen die Zuschauer auf einer sinnlichen statt einer intellektuellen Ebene ansprechen und sie völlig in die Geschichte hinein saugen. Und diese Aufgabe erfüllt der Film auch blendend, selbst heute noch – trotz 30 Jahren Abstumpfung der Kinogänger durch unzählige, sich gegenseitig übertrumpfende Spezialeffektorgien. Hier zeigt sich Spielbergs Meisterschaft der emotionalen Manipulation. Er schafft es wie kaum ein anderer, das Publikum zu fesseln und zu faszinieren. Dass die Logik dabei gelegentlich zu kurz kommt, ist der Preis, den ein überwältigendes Filmerlebnis manchmal fordert. Im Falle von „Unheimliche Begegnung der dritten Art“ bin ich gerne bereit, ihn zu zahlen.

Nachtrag: Hier noch ein paar selbstgemachte Fotos von der Leinwand, die vielleicht einen kleinen optischen Eindruck vermitteln können.